Wenn Bronze tanzt – Anna Pawlowa und die Kunst, Bewegung festzuhalten

Die Tänzerinnen von Paris

Wer an Ballett in der Kunstgeschichte denkt, dem kommen beinahe unweigerlich die Tänzerinnen von Edgar Degas in den Sinn. Im Paris des ausgehenden 19. Jahrhunderts machte der französische Künstler die Welt der Oper und des klassischen Balletts zu einem seiner bevorzugten Motive.

Doch Degas interessierte sich nicht allein für die vollendete Eleganz einer Aufführung. Seine Tänzerinnen begegnen uns ebenso bei der Probe, beim Dehnen, Warten oder in einem Moment der Erschöpfung. Statt ausschließlich die scheinbar mühelose Leichtigkeit des Tanzes zu feiern, zeigte er auch die körperliche Disziplin und die harte Arbeit, die hinter ihr standen.

Auch Henri de Toulouse-Lautrec richtete seinen Blick auf die Pariser Bühnenwelt. Seine Darstellungen von Tänzerinnen und Unterhaltungskünstlerinnen führen uns in die Vergnügungslokale und Tanzsäle der Belle Époque, in denen sich Kunst, gesellschaftliches Leben und Unterhaltung begegneten.

So wurde der Tanz zu einem bedeutenden Motiv der modernen Kunst. Er bot den Künstlern nicht nur Gelegenheit, den menschlichen Körper in Bewegung zu studieren, sondern eröffnete zugleich einen Blick auf die Menschen hinter der Bühnenfigur.

Anna Pawlowa – eine Tänzerin wird zur Legende

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts erlangte eine russische Tänzerin Weltruhm, deren Name bis heute untrennbar mit der Geschichte des klassischen Balletts verbunden ist: Anna Pawlowa (1881–1931).

Ausgebildet an der Kaiserlichen Ballettschule in St. Petersburg, wurde sie Mitglied des berühmten Mariinski-Balletts und entwickelte sich zu einer der herausragenden Tänzerinnen ihrer Generation. Ihre internationalen Auftritte machten sie weit über Russland hinaus bekannt. Mit ihrer eigenen Compagnie brachte sie das klassische Ballett einem Publikum näher, das zuvor kaum Gelegenheit gehabt hatte, diese Kunstform zu erleben.

Ihre wohl berühmteste Rolle war der sterbende Schwan, eine kurze Choreografie, die Michail Fokine 1905 zu Musik von Camille Saint-Saëns für sie schuf.

In nur wenigen Minuten entfaltete Pawlowa darin eine außergewöhnliche Ausdruckskraft. Ihre Bewegungen ließen den Körper zugleich zerbrechlich und schwerelos erscheinen. Es war nicht allein ihre tänzerische Technik, die das Publikum faszinierte, sondern die Fähigkeit, durch Bewegung Empfindungen sichtbar werden zu lassen.

Pawlowa verkörperte damit ein Ideal, das auch die bildende Kunst beschäftigte: die Verbindung von körperlicher Schönheit, Bewegung und seelischem Ausdruck.

Wenn der Tanz zur Skulptur wird

Was Maler wie Degas mit Pinsel und Farbe festzuhalten versuchten, stellte Bildhauer vor eine ganz eigene Herausforderung. Wie lässt sich die flüchtige Bewegung eines Körpers in einem dauerhaften Material darstellen? Wie kann eine unbewegliche Skulptur den Eindruck erwecken, im nächsten Augenblick weiterzutanzen?

Auch Fritz Klimsch (1870–1960) beschäftigte sich intensiv mit diesen Fragen.

Der in Frankfurt am Main geborene Künstler erhielt seine Ausbildung in Berlin, unter anderem bei dem Bildhauer Fritz Schaper. Studienreisen nach Italien und Griechenland prägten seine an der klassischen Antike orientierte Formensprache. Gemeinsam mit Georg Kolbe zählt Klimsch zu den bedeutenden Vertretern der deutschen figurativen Bildhauerei in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts.

Besonders die Darstellung des weiblichen Körpers wurde zum bestimmenden Thema seines Schaffens. Bereits 1892 schuf er mit der noch dem Jugendstil zuzuordnenden *Tänzerin Valentine Petit* eine frühe Auseinandersetzung mit dem Tanz.

Ob als Tänzerin, Stehende, Sitzende oder Ruhende – die weibliche Figur beschäftigte Klimsch über sämtliche Schaffensperioden hinweg. In seinen Arbeiten finden sich Einflüsse von Aristide Maillol und Wilhelm Lehmbruck, zugleich entwickelte er eine eigene, von harmonischen Proportionen und fließenden Körperlinien geprägte Formensprache.

Besonders der Ausdruckstanz, der sich um die Wende zum 20. Jahrhundert in Europa entwickelte, eröffnete der Bildhauerei neue Möglichkeiten. Denn hier ging es nicht allein um die Ausführung einer bestimmten Schrittfolge, sondern darum, Empfindungen und innere Zustände durch die Bewegung des Körpers sichtbar zu machen.

Tänzerinnen wie Valentine Petit, Carolina Otero und Anna Pawlowa gehörten zu den Persönlichkeiten, die Klimsch in seiner künstlerischen Auseinandersetzung mit diesem Thema inspirierten.

Dabei unterschied er offenbar zwischen der Tänzerin als Anregung für ein Bewegungsmotiv und der Tänzerin als individueller Persönlichkeit, die es zugleich zu porträtieren galt.

Die Tänzerin Pawlowa – ein Augenblick in Bronze

Mit seiner 1946 entstandenen Bronze *Die Tänzerin Pawlowa* griff Fritz Klimsch einen Motivkreis auf, der ihn bereits seit Jahrzehnten beschäftigte.

Anna Pawlowa war zu diesem Zeitpunkt seit fünfzehn Jahren verstorben. Doch ihre außergewöhnliche Ausdruckskraft hatte sie längst zu einer Legende der Ballettgeschichte werden lassen.

Die Bronze zeigt eine Tänzerin, deren Körperhaltung von Spannung und Bewegung geprägt ist. Die Linien des Körpers führen den Blick durch die Figur und vermitteln eine tänzerische Leichtigkeit, die im bemerkenswerten Gegensatz zum Gewicht des Materials steht.

Gerade dieser Gegensatz macht den Reiz der Skulptur aus: Bronze ist schwer, dauerhaft und unbeweglich. Der Tanz hingegen lebt vom Augenblick, von der Veränderung und von Bewegungen, die im nächsten Moment bereits vergangen sind.

Klimsch bringt diese beiden Gegensätze zusammen. Er verleiht der Bewegung eine dauerhafte Form und lässt dennoch etwas von ihrer ursprünglichen Lebendigkeit spürbar werden.

Dabei ist die Plastik mehr als die Darstellung einer beliebigen Tänzerin. Mit Anna Pawlowa verweist sie auf eine konkrete Persönlichkeit, deren künstlerische Leistung und Ausdruckskraft weit über ihre Lebenszeit hinaus wirkten.

Was bleibt, wenn die Musik verstummt?

Zwischen den Tänzerinnen von Edgar Degas und Klimschs *Pawlowa* liegt mehr als ein halbes Jahrhundert Kunstgeschichte. Und doch verbindet sie dieselbe Faszination.

Während Degas den Tanz häufig in seinen alltäglichen, bisweilen wenig glamourösen Momenten beobachtete, suchte Klimsch nach einer plastischen Form für die Eleganz und Ausdruckskraft des menschlichen Körpers.

Anna Pawlowa wiederum machte den Tanz selbst zu einer Kunst des Ausdrucks, in der jede Bewegung eine Geschichte erzählen konnte.

So begegnen sich in Klimschs Bronze drei Themen: die Geschichte des Balletts, die Erinnerung an eine außergewöhnliche Tänzerin und die jahrhundertealte künstlerische Beschäftigung mit dem menschlichen Körper.

Denn der Tanz ist vergänglich. Die Kunst vermag ihm Dauer zu verleihen.

Fritz Klimsch (1870–1960)
Die Tänzerin Pawlowa (1946)  
Bronze

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Fotonachweise: 
Dancers on the Stage, 1876-1877, Edgar Degas 0,6 x 0,44 m. Orsay Museum, Paris (Foto von Leemage/Corbis via Getty Images)
Urheber unbekannt, 1908, via Wikimedia Commons, [https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Anna_Pavlova_as_the_Dying_Swan.jpg?uselang=de]